初中美术人教版七年级下册第1课 源于生活 高于生活教案设计

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艺术源于生活而高于生活（欣赏·展示 ）  一、教学目标1.知识与技能：通过艺术作品的欣赏和分析，使学生进一步理解"艺术源于生活，高于生活"的道理；认识表现性艺术和再现性艺术。  2.过程与方法：通过艺术作品的欣赏和分析，使学生初步学会欣赏艺术作品；在思考和讨论中培养学生合作互动地解决问题的能力，锻炼学生的评述能力。  3.情感态度价值观：培养学生的参与意识，增强学生的民族自豪感，激发学生的爱国主义热情；具备接纳多元化文化的心态。二、教学重难点 重点：使学生理解艺术创作的题材、内容与技法都源于生活，艺术家所创造的艺术作品及其艺术形象是高于生活的。    难点：以美术作品作为切入点，使学生理解"艺术源于生活，高于生活。"三、教学过程（一）导入：回顾“在美术世界中遨游”（定义与分类）→“艺术”（两者的意思和涵盖范围）（二）新课：谈本课标题的感受与理解→“艺术创作”（图片对比：现实与艺术形象）1.艺术分类根据表现手段和方式的不同，艺术分为四类：    造型艺术（绘画、雕塑、工艺美术、建筑、民间美术等）表演艺术（音乐、舞蹈）语言艺术（文学）综合艺术（戏剧、影视）2.美术创作的两种形式（1）再现性:是以一个真实的再现客观世界为目的，作品的艺术形象是逼真写实的。艺术家通过真实再现客观对象的形象，表现自己对世界的认识、情感、思想、其创作的形象以栩栩如生而称道。例：罗中立《父亲》（油画）→→注意书写格式（2）表现性：是以客观对象为媒介，主要在于表达作者个人的主观精神，即思想、情感或审美理想等。画面的艺术形象予以夸张、变形的处理，或予以荒诞的组合等，从而创造一个新的艺术世界。具有抽象的特点。例：吴冠中《松魂》（国画）3.赏析（画名、作者、体裁、内容、色彩、）（1）齐白石《虾》（国画）①形似：头上三笔→眼与虾线（连接头与身）、足→化简更灵动轻逸、须与钳→轻盈飘逸、视角差→头的俯视与身体的侧视造成视觉差，将典型特征画出，更显它的游走②神似：生动，活泼，活力，旺盛的生命力③墨色：笔法苍劲有力及墨色浓淡相宜，层次分明（随着墨色带领我们看重点）④情感：对生活的热爱之情齐白石是我国著名的艺术家，他在诗、书、画、印几个方面都达到很高成就。齐白石作画反对拘泥于形似，主张作画要形神兼备。他认为"作画妙在似与不似之间"，"太似为媚俗，不似为欺世"都不可取。齐白石依据真虾总结出极为简练的画法，使其所画之虾又不同于真虾。真虾的眼睛看上去是一个小点，他却以浓墨横笔将虾眼画的非常突出，显得极为精神；真虾的腿有很多，他删繁就简，仅画五条，就显得多而生动。所以他画的虾，既让人感到是充满生命力的在觅食游动的活虾，又让人体会到苍劲有力的笔法和浓淡干湿变化的墨色的艺术美感。齐白石所画之虾的头与尾是俯视效果，腰身是侧视效果，是由两处最具虾的形象特点构成的。正是由于画家集中和强化了虾的典型特征，所以他画的虾比真虾更具典型性，也更高于生活。画家根据长期的观察，按照美的要求，把生活中的虾变成了艺术的形象，它离不开对象的特征，但由于画家的夸张和取舍，使观者对虾的生动活泼的印象更强烈了，它"妙在似与不似之间"，给人以美的享受。齐白石的作品更在于寓于形象之中的情--充溢的诗意和对生活的热爱之情，也诱导、激发着人们对生活的爱。他画的虾具有写神的美，墨色的美 （2）董希文《开国大典》（油画）问：画作与现实照片的不同有哪些？①视角：灯穗方向人群、扶栏的透视线（照片平面，画面焦点透视）②增添游行队伍和辽阔的天空③菊花（时间，装饰，富丽堂皇，庄严）④天气（渲染气氛，祝愿)⑤色彩（暖色调，喜庆，红蓝对比增强视觉效果差，空间感更强）⑥构图（比例分配，不居中，不偏僻，不均等分） 它是以1949年的开国大典为原型创造的。这是一幅深为群众欢迎的革命历史画。画宽4.05米，高2.3米，油画。1952年至1953年作，现藏中国革命历史博物馆。画面主体为毛泽东主席和其它中央领导人在天安门城楼上。代表着亿万中国人民向全世界庄严宣告：中华人民共和国成立了，中国人民从此站起来。这庄严的声音，响彻天安门广场，回响在祖国大地，震撼着全世界。它表现了新中国开国大典的宏伟壮阔的场面，再现了"中国人民从此站起来了"这一划时代的一刻。油画，运用了油画表现手法，强调了空间感；拉开了毛主席与各位首长的距离，人群、扶栏的透视线与灯穗方向引向毛主席，突出了毛主席的中心位置；毛泽东主席健朗魁伟的身姿处于画面中心，也体现了领导全中国的核心之核心，并与远方千千万万的群众遥相呼应，共同为中国历史掀开新的一页而自豪。油画作品，主席台上的菊花表现出"十一"正直金秋丰收季节 。作者曾经亲身参加过1949年10月1日的开国大典，他把自己的切身感受倾注于作品之中。作品不是照相式地复原当时的情景，而是根据自己的深切感受，对真实的情景作了必要的强调和删繁就简，特别是大胆地将国家领导人群集中在画面的左侧，同时衬以一排顶天立地的大红柱子，画面的右边集中表现了宏大的游行队伍和辽阔的天空，从而突出了开国大典的盛况和宏伟的气势。典礼当天是阴天有雨的天气，画家却把它改为秋高气爽的晴朗天气，使人有天随人愿、清爽欢快之感。借鉴了我国传统民间艺术和中国传统的工笔重彩画法，强调色彩的单纯和强烈对比，从而增强了这一具有历史意义的节日气氛。红地毯、红灯笼、红柱子、红旗与蓝天、绿树相对比，黄色的菊花与金灿灿的灯穗相呼应，使人感到即富丽堂皇，又热烈亲切。（2）凡高《夜咖啡馆》（油画）→凡高还有哪些作品？→与《星空》色彩相似问：画作与现实照片的不同有哪些？①天空（蓝色，静谧，冷清）②地面（天大地大）③人（画小，渺小）④灯光（暖色调）⑤色彩（蓝紫调）⑥情感（广袤的天地中，人是渺小的，但是有温情在，向往更好的生活，对生活充满希望，有热情）（三）扩展：欣赏图片（艺术在生活中的一些体现）（四）课堂小结：艺术来源于生活，可是，它并不是生活的翻版和备份，而是生活与艺术的完美融合，是典型生活的艺术化处理。艺术作品比普通的生活更高，更强烈，更具有集中性，更典型，更理想。"生活是艺术创作的源泉，生活给艺术家提供了丰富的创作题材和灵感，使艺术家发现了美。生活还给予艺术家以激情，使艺术家凭着感悟创造美。然后他们以各种艺术手段为媒介，再现或表现美。高于生活的艺术作品由此而来。（五）作业练习：塞尚《拜克托瓦尔山》（油画）、徐悲鸿《奔马图》（国画）、列宾《伏尔加河纤夫》（油画）徐悲鸿，中国现代美术事业的奠基者，是兼采中西艺术之长的现代绘画大师，前驱式的美术教育家。徐悲鸿擅长中国画，油画，尤精素描。他的画作满含激情，技巧极高。所作国画彩墨浑成，尤以奔马享名于世，奔马最能反映徐悲鸿个性，表达他思想感情。他的绘画创作坚持"师法造化，寻求真理"的原则。徐悲鸿先生是推动中国画继承、发展和传播的美术教育家，更是将自己的艺术、个人的生活、工作、社会交往与影响，甚至生命，与国家、民族的利益、荣辱相互结合、紧密联系、融为一体的文化斗士和著名的社会活动家。徐悲鸿早期画的马颇有一种文人的淡然诗意，显出"踯躅（zhí zhú)回顾，萧然寡俦(chóu)"之态。至抗战爆发后，徐悲鸿认识到艺术家不应局限于艺术的自我陶醉中，而应该与国家同呼吸共命运，将艺术创作投入到火热的生活中去，所以他的马成为正在觉醒的民族精神的象征。  此《奔马图》作于1941年秋季第二次长沙会战期间。此时，抗日战争正处于敌我力量相持阶段，日军想在发动太平洋战争之前彻底打败中国，使国民党政府俯首称臣，故而他们倾尽全力屡次发动长沙会战，企图打通南北交通之咽喉重庆。二次会战中我方一度失利，长沙为日寇所占，正在马来西亚槟榔屿办艺展募捐的徐悲鸿听闻国难当头，心急如焚。他连夜画出《奔马图》以抒发自己的忧国之情。马是徐悲鸿绘画的标志性题材，他笔下的马千姿百态，充满着激情和活力。并且他的奔马往往因时因事有感而作，激情寓于笔墨间，具有动人心魄的力量。在此幅画中，徐悲鸿运用饱含奔放的墨色勾勒头、颈、胸、腿等大转折部位，并以干笔扫出鬃尾，使浓淡干湿的变化浑然天成。马腿的直线细劲有力，有如钢刀，力透纸背，而腹部、臀部及鬃尾的弧线很有弹性，富于动感。整体上看，画面前大后小，透视感较强，前伸的双腿和马头有很强的冲击力，似乎要冲破画面。画中的马肌肉强健，腹部圆实，头略向右倾，鼻孔略大。这匹马正腾空而起，昂首奋蹄，鬃毛飞扬，精神抖擞，意气风发，让人热血沸腾。作者只寥寥几笔，就使这匹马有形有体，刚劲有力。作者用浓墨来体现鬃毛的厚密，用淡墨枯笔扫出其飞扬之势。该画中，采用了西方绘画中体与面、明与暗分块造型的方法，同时吸收传统没骨法，结合线描技法，纵情挥洒，独具一格。马的头顶、胸部、马蹄、臀部留白，有强烈的光影效果。腹部阴影处，用墨比较淡，显示出了柔软而富有弹性的质感。这幅《奔马图》能让人感受到马呼出的热气、滚烫的体温，甚至淋漓的汗水。它强健的生命力正是抵抗侵略的中国人民的民族精神的象征。《伏尔加河上的纤夫》是俄国批判现实主义画家伊里亚·叶菲莫维奇·列宾于1870年至1873年间创作的一幅油画，现收藏于圣彼得堡俄罗斯博物馆。该画描绘了在伏尔加河畔一组在沉闷压抑的气氛中奋力拉纤的纤夫群像，反映了俄国纤夫苦难的生活，寄托了画家对下层人民群众悲惨生活的同情，也艺术地体现了作者民主主义革命的思想。该画描绘了被烈日炙烤的焦黄的河岸上，一队蓬首垢面、衣衫褴褛的纤夫拖着沉重的脚步拉着货船，在酷日下精疲力竭的向前挣扎。他们中有老有少，个个都衣着破烂、面容憔悴。领头的是一位胡须斑白的老者，眼睛深陷，坚毅的面孔透出饱经风霜的智慧，但愁苦的表情仍然显示了他对于艰苦生活的无奈。走在最后的纤夫低着头垂着手，麻木地随着队伍向前挪动，似乎已经习惯了这样日日苦役般的生活。队伍中还有一个较为突出的形象，是处在队伍中部的一位少年，可以看出他才开始这样的工作不久，皱着眉头还不太习惯，他直起腰想用手松一松肩头紧勒的纤绳，毕竟年轻，还不甘心忍受这样的苦楚。其余的纤夫都弯着腰低着头，似乎已没有多余的力气再来表现点什么，在他们身上剩下的，惟有贫苦、艰难与无奈。伊里亚·叶菲莫维奇·列宾（1844～1930），19世纪末俄国现实主义画家，“巡回展览”画派的杰出代表。出生于俄国边境省份哈尔科夫的楚古耶夫镇。列宾在故乡接受了初步的美术教育。后进入圣彼得堡美术学院学习，打下了良好的绘画基础列宾是极有责任感的民族画家，他的作品饱含激情，对人物的刻画极有深度．深刻地展示了俄罗斯人民的苦难生活，鞭挞了沙皇制度的腐朽和没落。他的代表作还有《祭司长》、《查波罗什人给苏丹王回信》、《拒绝临刑前的忏悔》等。创作背景随着资本主义的发展，俄国农奴制严重地制约了经济的发展，新兴资产阶级强烈要求进行社会改革，废除农奴制。1861年2月，沙皇亚历山大二世迫于强大的社会压力，终于签署了废除农奴制的法令。亚历山大二世的废奴法令规定，农奴是具有人身自由的自由人，他们有权拥有财产，也可以担任公职和从事工商业。任何人都不能买卖农奴和干涉农奴的生活。这个规定极大地提高了农奴的社会地位和劳动积极性。但是，这个法令同时规定，土地仍归地主所有。在理论上，农奴虽然可以通过出钱向地主赎买一定数量的土地，但实际上赤贫的农奴根本无力承担买地的费用，这又极大地阻碍了资本主义的发展。所以废奴法令虽然签订了，但是根深蒂固的封建剥削势力丝毫没有让步，广大农奴的生活也没有因此获得多大的改善。1869年，正在彼得堡绘画学院学习的列宾来到涅瓦河河畔游玩，他无意中看到一群黑色的、闪着油光的物体艰难地向前移动。他的好奇心顿起，等到他靠近之后，才发现原来那是一群套着绳索在拉平底货船的纤夫。纤夫们蓬头垢面、衣衫褴褛的形象在列宾的心中留下了极深的印象。列宾从小就生活在社会的底层，他对劳动人民的悲惨命运非常熟悉。但是他没有想到纤夫们的生活比他印象中的还要悲惨很多倍。从此，列宾就想创作一幅表现纤夫苦役般的劳动景象的作品。1870年夏季，列宾与同班同学华西里耶夫一起来到伏尔加河河畔写生。俄罗斯的母亲河那美丽的风光给列宾极大的震动。他从来没有如此亲近地看过自已的母亲河，但是随之而来的一幕却使他的心阵痛起来。涅瓦河河畔的那一幕再次上演了，一群蓬头垢面、衣衫褴褛的纤夫拉着沉重的平底货船，艰难地向前移动着。列宾的创作激情被触发了，在随后3年时间里，他专门到伏尔加河旅行了两次，他采访纤夫，和纤夫们交朋友，并进行了大量的观察和写生。1873年，《伏尔加河上的纤夫》终于完成了。艺术鉴赏主题画中列宾画了11个饱经风霜的劳动者，他们在炎热的河畔沙滩上艰难的拉着纤绳。纤夫们有着不同的经历和个性，他们生活在社会的最底层，但这是一支在苦难中练成坚韧不拔，互相依存的队伍。背景运用的颜色昏暗迷蒙，空间空旷奇特，给人以惆怅、孤苦、无助之感，切实深入到纤夫的心灵深处，亦是画家心境的真实写照，这对画旨的体现，情感的烘托起了极大的作用。 画中人物形象真实而深刻，且是一个民族苦难灵魂的集中展现。列宾在这件作品中深刻刻画了11位纤夫的鲜明形象，这是当时社会底层劳动人民生活和命运的真实写照，更是画家对沙皇吃人制度的无声控诉。形象画中的纤夫共有11个人，约略分成三组。每一个形象都被列宾仔细推敲过，画过人物写生。他们的年龄、经历、性格、体力以及他们的精神气质各不相同。画家把这些性格作了高度的典型化，又都统一在主题之中。现据画家本人的记述，分别来详细介绍这里的每一个人物的情况：最前一组共四人，领头的名叫冈宁，他的表情温顺，然而性格坚韧，具有一种内在的意志力，此人约有四五十岁。他那双深陷的眼睛使他的前额　更加突出，显出了他的智慧。列宾在他的头上添画上一块包头的破布，似乎要把他塑成古希腊哲学家的样子。他原是个神父，后来被教会革职，一度充任过教堂唱诗队的指挥。他身体结实，两手下垂。胸前那一条纤索绷得很紧，而身上的麻布衫却满是补钉。这是一个俄罗斯农民长者或智者的典型，他忍受着肉体与精神的痛苦，是这些纤夫形象中的悲剧性主角。在他右边的一个是身材魁梧的憨直的农民汉子，他赤着脚，头发蓬乱，满脸浓密的胡子，似乎在低低地向冈宁絮叨着什么。这个形象起着衬托冈宁的前倾的身子的作用。在他后面是一个细长的瘦子，年近40，身子大部分被挡住了。他头戴麦秆帽，叼着一只土烟斗，头显得尖小一些。他挺直着身子，这样可使纤索松弛，好像是想省点力气。这个瘦子的左侧，则是一个躬背弯腰的纤夫，他原来是个水手，叫伊卡尔。他的两手向下握拢，神色严厉，眼神凝注，直对着前方。显然，他的脾气一定很倔强，是个农村硬汉子。汗水已把他的上衣腐蚀得百孔干疮，结实的肩膀正从破洞处显露出来。中间一组也是四个人：穿一身粉红色破衫裤的少年名叫拉里卡。看来这个少年是初加入这支行列，他那还未晒黑的皮肤，紧蹙的眉头告诉观者，这种劳动对他来说是负荷过重了。他正用于在调节压在自己肩头那根据痛了皮肤的纤索。画家在这个新的受压迫者身上似乎要找到一种希望，那就是不甘心受剥削，要反抗。令人注目的是，在这个少年颈上还挂着一只十字架，这是父母给孩子的信物，祈求上帝能保佑他路上平安。列宾为画这个少年纤夫，曾从他熟悉的孩童形象中挑选了一个作模特儿。少年拉纤这种现象，也如资本家利用童工榨取劳力一样残酷，这是沙皇俄国的农奴制度的罪恶，也是画家所要抨击的主要目标。紧靠在拉里卡后面的，是一个受尽风霜之苦的秃顶老汉，他皮肤助黑，脸色阴沉，一边斜倚在纤索上，一边在打开自己的烟袋，想偷闲抽口烟来缓解一下自己的苦闷。他和前面的少年，在色彩上构成了强烈对比。两代人，不同的命运，却系在一根绳索上。少年右边是个羸弱有病的纤夫，他步履艰难，全身虚弱，正在用袖口擦汗。头发露在无檐帽的外边，颧骨耸起，泪囊水肿，他未来的路程意味着更大的厄运，我们似乎可以听到他那急促的喘息。在拉里卡与老汉之间，露出了另一个纤夫的脑袋顶，此人的脸庞发黑，鼻孔朝外，嘴唇很厚，看样子是个鞑靼人。最后一组三人，走在前面的是个退役军人，白色的衬衫外面加了一件坎肩，帽子压得很低；背后一个皮肤黝黑，巡回展览画派评论家斯塔索夫说他是个流浪的希腊人。最后一个人只见到了他的低垂的头顶，此人似乎走得更加吃力，他正在往一个小坡上移动。全画以淡绿、淡紫、暗棕等色调来描绘上半部的空白，使这条伏尔加河流显得更为惨淡了。这是为了加强人物的悲剧性，烘托干燥炎热的天气，列宾在冈宁和伊卡尔两个人物身上曾作过一些改动，尤以伊卡尔缠着白布的头改动得是最多的。四、板书艺术创作1.艺术分类：造型、语言、表演、综合2.创作形式：再现性、表现性3.赏析作品：齐白石《虾》（国画）、董希文《开国大典》（油画）、凡高《夜咖啡馆》（油画）  



吴冠中《松魂》（中国画） 吴冠中《春如线》（中国画） 齐白石《虾》（国画） 董希文《开国大典》（油画）
文森特·梵高《星月夜》《夜咖啡馆》《向日葵》





（油画）          塞尚《拜克托瓦尔山》（油画）文森特·梵高(1853-1890)荷兰画家，后期印象派代表人物之一。受印象画派和日本浮世绘的影响，先用点彩画法，后变为强烈而明亮的色调，以跃动的线条、凸起的色块，表达主观的感受和激动的情绪。其画风对后辈影响很大。代表作品有《星月夜》自画像系列，向日葵系列等。创作特点题材梵高的作品中充满天然的悲悯情怀和苦难意识。例如在梵高艺术生涯的初期，绘画最多的题材是矿区阴惨的场景和劳作的矿工。在埃顿时期，落日的翻滚、日里的农夫和农妇更多出现在他作品中。到多伦特和海牙时期，梵高的作品中开始频繁出现哭泣的女人、足两姗的老树以及城市救济院中的老人孤儿、驾车的老马、劳作的农夫等等。梵高对农民、对田野生活、对乡村田野风光有着很高的热情，他喜爱农民的一切，尤其是向日葵、麦田、莺尾花、豌豆花等。他经常选取这些散发着泥土清香的物象作为自己的绘画题材，在他短暂的艺术生涯中，梵高凭借着自己敏锐的艺术感知力深情地、细致地描绘着这些质朴、自然的风景、静物及人物，他也因此被称为“画家中最纯粹的画家”。与那些华丽璀璨的绘画相比，梵高的画更多的是朴实和隽永，他将自己无限的激情倾注于这些朴素的花朵和田野生活中，使画作产生了一种无法超越、无法模仿的艺术魔力。梵高曾经画过许多有关向日葵的画，虽然每次绘制的向日葵数目不一样，花朵的姿态也都不一样，但是它们都体现出了一种饱满和劲头。此外，梵高还经常选用麦田作为自己的绘画题材，从他所描绘的各式麦田的画作似乎可以感知到麦田里所散发出的一兹兹悲沧之情。如梵高创作于奥维尔的《乌云笼罩下的麦田》就是以恶劣天气下连绵不绝的麦田作为题材，传递出了凄凉、寂寥、压抑和苦闷的情感。再如，《有乌鸦的麦田》也是以麦田作为主要题材，并在麦田上方加入了一群黑黑的乌鸦，从而呈现出了一种深深的绝望和死一般的沉寂之情。当然，除了这两种题材之外，梵高的绘画还涉及到许多题材物象，但无一例外，它们都是质朴无华的，是和生活紧密相关的。 色彩梵高是一位色彩主义画家，他对色彩的偏好几乎达到了一种癫狂的状态，这虽然与他的精神疾病有着一定的联系，但是也不能否认梵高对于色彩的创造性的发现和表现。他的画作中的色彩都是较为奔放、夸张的，这也深深地影响了20世纪的表现主义和野兽派绘画。具体而言，梵高画作中奔放的色彩主要表现在以下三个方面:第一，用光亮明快的夸张色彩进行装饰。受新印象派画家毕沙罗、修拉等色彩技法的影响，梵高摒弃了绘画初期暗浊、沉重的色彩，开始采用一些高明度、高纯度、高亮度的色彩，创作出了一种极具现代感和时尚感的色彩装饰效果，他的油画也因此越发鲜亮起来。在所有的高纯度、高亮度的色彩之中，梵高最偏爱黄色，简单明了的黄色带有另外一层寓意，即象征着太阳和大地，代表着光明和希望。在黄色的带动之卜，梵高绘画作品的色彩明度和纯度对比都十分鲜明，产生了一种光亮明快的装饰美感。例如，梵高的《向日葵》就是以大面积的黄色作为主要基调，然后配以土黄色、柠檬黄及中黄色等，使观众产生一种五彩缤纷、璀璨炫目的视觉感受，也表现出了梵高对美好生活的向往。第二，用大色块的对比进行装饰。在装饰色彩中，大色块的并置对比是一种非常重要的表现手法，虽然这一表现手法早在梵高之前就己经提出，但在梵高的绘画中得到了最淋漓尽致的表现。梵高画作中的对比色常常是大块的且较为平整的，既简化概括，又能够增加画面的厚重感，而且借助色块的对比还可以产生一种和谐的视觉效果。例如，《夜晚的咖啡馆——室外景》就是用大色块的对比色进行装饰，黄橙色的灯光和深蓝色的夜空相互对比，使画面产生了一种纵深感，同时也生动地描绘出了人们的夜生活。第三，用绝对的黑白色进行缓冲。在绘画过程中，梵高除了追求画面色彩的明亮欢快及色块对比之外，还经常用黑白色来缓冲、协调色彩，其常常和对比色出现在同一个场景中。以《播种者》为例，画面分为上、下两个部分，上半部分是鲜亮的黄色，下半部分是明亮的紫色，两种颜色对比非常强烈，过渡也比较直接，会对受众的眼睛产生刺激。而梵高将画面中播种者的长裤画为白色，在黄色和紫色之间产生了一个隔断，受众的眼睛也得以获得片刻的休息。造型梵高绘画追求的是一种狂野的造型，厚重、粗犷的笔触带来的是一种直率而又单纯的表现方式，带有一定的力量和强度，他们强调的是“神”的传递，而非“形”的表现，这与古典主义所追求的“忠实地表现自然”的绘画理念有很大的差异。仔细看来，梵高画面中的形象在造型上都带有非常鲜明的个性的，有强烈的狂野性、粗放性，好似画家在激情的支配之卜随意挥洒而得来。受众在欣赏画面的时候也会被这种激情所浸染、震惊，会深切地感受到画家内心的呐喊。这种狂野的造型风格同画家所生活的时代、环境及人物性格有着很大的联系。因为梵高没有受过专业的美术教育，在造型方面完全以自己的内心情感作为主要标准。此外，梵高一生都生活在贫穷、困苦和疾病的缠绕之中，这对他的心理也产生了深深的影响，所以他画作中的形象造型都带有一种扭曲变形、狂野粗放，也正是这些因素让梵高产生了丰富的情感和深刻的认知。以《星夜》为例，该画作创作于梵高在圣雷米疗养院期间。这一时期梵高的病情时好时坏，神智也时而清醒时而糊涂，因此这一时期他的画作线条更加粗野，笔意也更加随意。在这幅画面中，梵高使用生动固执的短线笔组成激荡旋转的宇宙，夜空中的十颗星辰也是由流动的、长短粗细不一的线条组合而成，近景的柏树形象则如同一座撕裂燃烧的哥特式教堂。画面中的夜空、星星及柏树的造型都是十分夸张、狂野、奇怪的，让人捉摸不定。此外，这种奇怪狂野的造型使人如同陷入一片黄蓝漩涡之中，油然而生一种绝望和恐怖之情。保罗·塞尚（1839—1906）法国后印象主义画派画家 他的作品和理念影响了20世纪许多艺术家和艺术运动，尤其是立体派。在他生前的大多数时间里，他的艺术不为公众所理解和接受。通过他的坚持，最后对19世纪所有常规绘画价值提出了挑战。塞尚的最大成就是对色彩与明暗具有前所未有的精辟分析，颠覆了以往的视觉透视点，空间的构造被从混色彩的印象里抽掉了，使绘画领域正式出现纯粹的艺术，这是以往任何绘画流派都无法做到的。因此，他被誉为“现代艺术之父”。他认为形状和色彩是不可分离的。用几何的笔触在平面上涂色，逐渐形成画的表面。他主张不要用线条、明暗来表现物体，而是用色彩对比。他采用色的团块表现物象的立体和深度，利用色彩的冷暖变化造型，用几何元素构造形象。（认为绘画的目的是对形、色、节奏、空间的探索，企图借助色彩而不依赖明暗效果表现体积。毕生追求表现形式，在色彩、造型上有新的创造，被称为“现代绘画之父”）塞尚“用圆柱体、球体和圆锥体来处理自然”的思想启示，试图在画中创造结构美。创作特点他早期的作品充斥着一股被压抑的狂想及情欲。早期绘画风格受许多人影响，有德拉克洛瓦的浪漫主义、鲁本斯的巴洛克装饰艺术、印象派的自然光影变化等因此塞尚身处于卬象派的时空中，也非常认同印象派的特殊地位，但他的作品却与印象派风格截然不同。塞尚长久追求一种诉诸心灵超越眼前景象的深沉构思，他对于描绘对象的美与丑并不在乎,认为只有内涵与内在情感，才能完整地忠实地呈现于画布上。他曾把人物比例伸长、解体及弯曲,来研究画面中的明暗度、协调性与吸引力，而忽略了物体本身的轮廓线条与透视比例，这就是塞尚坚持的绘画精神 。保罗·塞尚的画具有鲜明的特色。他反对印象主义那种忽视素描，把物象弄得服就不清的绘画风格。他认为，倘若画中物象模糊不清，那么便无法寻求画面的构成意味，立志要“将印象主义变得像博物馆中的艺术那样坚固而恒久”。他强调绘画的纯粹性，重视绘画的形式构成，强调通过绘画。在自然表象之下发据出某种简单的几何形式，同时将眼见的散乱视象构成秩序化的图像。他极力追求-种能塑造出鲜明、结实的形体的绘画语言，常以黑色的线勾画物体的轮廊，甚至要将空气、河水、云雾等，都勾画出轮廓来。在他的风景画中。无论是近景还是远景的物象，都被拉到同一个平面中，这样既与传统表现手法拉开距离，又为画面构成留下了表现的余地，强调了画中物象的明晰性与坚实感。在创作中，保罗·塞尚一直主张要用圆柱体。圆锥体和球体来表现自然。他不惜牺牲客观的真实，排除繁琐的细节描绘，而着力于对物象的简化、概括的处理，以摆脱千百年来西方艺术传统的再现法则对画家的限制。塞尚的画中经常出现对客观造型的有意歪曲，如透视不准、人物变形等，景物描绘富有几何意味。他无意于再现自然。而他对自然物象的描绘，根本上是为了创造一种形与色构成的规律。人物影响保罗·塞尚正是把形式的东西，诸如距离、透视、体积等，当成了绘画的目的。而把内容放在服从形式的地位。保罗·塞尚认为画画，并不意味着言从地去复制现实。它意味着寻求诸种关系的和谐。而他对体积感、空间感的强调，对色彩的巧妙运用，对物象造型的重视，以及有意采取变形手法等，对现代诸艺术流派有着深远的影响。塞尚追求的与同时代的画家不同，他认为即使是画风景、画静物，也要画进灵魂的深处，这种超越绘画本身的前卫思想，给现代绘画带来非常深远的影响。塞尚早期的作品注重风景画中的人物，后来发展到关注光和空气，这对印象派绘画产生巨大的影响。塞尚放弃了传统的艺术观念和法则，完全依靠自己独立的观察进行创作，有意识地将注意力转向表现自己的主观世界，通过概括和取舍，从结构的观点来描绘对象。正是由于塞尚这种绘画的主观性改变了整个西方艺术的进程，对他以后的艺术家产生了观念上的震撼，这种震撼导致了艺术思想的全面解放。从塞尚开始，西方画家从追求真实地描画自然，开始转向表现自我，并开始出现形形色色的形式主义流派，形成现代绘画的潮流。塞尚这种追求形式美感的艺术方法，为后来出现的现代油画流派提供了引导 。 五、反思